A obra do artista Hyman Bloom é reverenciada. E os corpos são cadáveres.

'Female Leg', de Hyman Bloom, 1951; óleo sobre tela. (Museu de Belas Artes, Boston / Timothy Phillips / Do Stella Bloom Trust)

As pinturas de cadáveres em decomposição e cadáveres abertos feitas por Hyman Bloom entre 1943 e 1954 constituem um dos mais extraordinários e perturbadoramente belos corpos de trabalho da arte americana.

As pinturas de Bloom são terríveis e surpreendentes. Eles são inflamados por cores quentes e fluidas que emplumam suas superfícies como chamas, consumindo e transmutando os pobres corpos que eles representam em algo iridescente e etéreo. As pinturas, junto com uma seleção de desenhos deslumbrantes em grande escala, são o tema de uma exibição soberba e esperada, Hyman Bloom: questões de vida e morte no Museu de Belas Artes de Boston. Coincidindo com um novo fantástico monografia no Bloom e um comercial show em nova iorque , a exposição parece um grande evento.

Bloom (1913-2009) é uma figura amplamente esquecida. Mas seu brilho foi amplamente reconhecido em meados do século. Jackson Pollock, Willem de Kooning e Franz Kline o reverenciava. Elaine de Kooning escreveu de forma brilhante sobre seus primeiros trabalhos. O grande estudioso da Renascença Sydney Freedberg chamou-o de virtuoso com tinta. E em uma carta para a colega poetisa Elizabeth Bishop, Robert Lowell escreveu: Hyman é incrivelmente consistente, brilhante, ascético - mais e mais pessoas dizem que ele é o melhor pintor da América, e ele é.

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Nascido em um vilarejo pobre de judeus ortodoxos na Letônia, Bloom passou seus primeiros anos morando em uma cabana de madeira de um cômodo com chão de terra. Ele tinha 7 anos quando sua família chegou a Ellis Island em 1920. Eles se estabeleceram com os dois irmãos mais velhos de Hyman, que emigraram antes da Primeira Guerra Mundial, em um cortiço no West End de Boston, oito pessoas lotadas em três quartos.

Na escola, o talento de Bloom foi notado por seu professor de arte da oitava série, que o encorajou a se inscrever em aulas de desenho em um centro comunitário. O artista Jack Levine, que se tornou amigo íntimo de Bloom, era um colega estudante.

Seu professor, Harold Zimmerman, cultivou seus talentos com uma abordagem experimental. Ele os fez avançar muito lentamente, trabalhando seus desenhos de memória em vez de observação direta, com pequenas marcas e ajustes, sempre permanecendo agudamente sensível à composição como um todo.

Quando adolescente, Bloom desenhou boxeadores e lutadores (seus dois irmãos mais velhos eram fisiculturistas) e - em um desenho surpreendente incluído no show - um homem titanicamente musculoso se soltou de cordas grossas em uma roda de tortura. Apesar de todas as ousadas liberdades pictóricas de seus melhores trabalhos, o desenho - e a figura humana - permaneceram fundamentais até o fim.

Por meio de Zimmerman, Bloom conheceu Denman Waldo Ross, professor da Universidade de Harvard. Ross subsidiou a educação artística continuada dos meninos. Ele os instruiu a pintar uma noite por semana, enquanto Zimmerman continuava suas aulas de desenho. Zimmerman também levou Bloom e Levine para Nova York, onde Bloom foi exposto a Chaim Soutine e Georges Rouault, estrelas-guia de seu trabalho posterior.

Com quase 20 anos, a carreira de Bloom decolou. Ele estava pintando sinagogas, árvores de Natal e noivas em um idioma inspirado em Soutine, Rouault, Marc Chagall e Jean Dubuffet, mas que ainda parecia totalmente original. Ele começou a ganhar o apoio de pessoas como Dorothy Miller e Alfred Barr, curadores do Museu de Arte Moderna, e logo inspirou outros artistas, incluindo De Koonings e Pollock.

Em 1941, Bloom teve uma experiência que alterou profundamente sua vida interior e a trajetória de sua arte. Sua amiga íntima Betty Tovey cometeu suicídio, e sua família pediu-lhe que identificasse seu corpo no necrotério.

Bloom conhecia Tovey há mais de uma década. Eles dividiram uma casa e um estúdio em Boston. Ela era muito viajada, cosmopolita, uma violinista talentosa e 10 anos mais velha. Os dois não parecem ter sido amantes, mas Tovey foi o confidente de Bloom durante um período que o viu lutar contra a ansiedade e confusão espiritual. Quando ele se afastou da prática do judaísmo, ela compartilhou seu interesse pela literatura metafísica. Bloom começou a explorar a teosofia, o Vedanta (um dos principais ramos da filosofia hindu) e outras formas de espiritualismo. Ele permaneceu um buscador por toda a vida.

Sua experiência ao ver o corpo de Tovey no necrotério o levou a encarar a morte de uma perspectiva nova e mais bonita. Eu tinha a convicção da imortalidade, escreveu ele, de ser parte de algo permanente e sempre mutável, da metamorfose como a natureza do ser.

Um observador de relance da arte de Bloom nas próximas duas décadas pode supor que ele estava obcecado com morbidez e morte. E de certa forma ele estava. Mas o que realmente o preocupava era o profundo entrelaçamento, a indivisibilidade final da vida e da morte.

A visão de Bloom do corpo quase como prender , um disfarce a ser destruído e despedaçado, para melhor ver através dele, teve muitos antecedentes na arte europeia. Artistas da Renascença do Norte, por exemplo (mais notavelmente Matthias Grünewald), pintaram o corpo de Cristo desesperadamente arruinado com o objetivo específico de transcender a corporeidade. O trabalho eletrizante de Bloom pode ser visto como parte dessa tradição.

Dois anos depois de identificar o corpo de Tovey no necrotério, Bloom encontrou um amigo, o artista David Aronson, que estava a caminho do Hospital Kenmore de Boston para ver os cadáveres. Ele convidou Bloom.

A maioria dos relatos da arte ocidental desde a Renascença incluem as histórias daqueles artistas quebradores de tabus que, curiosos sobre a estrutura interna do corpo humano, voltaram sua atenção para os cadáveres, muitas vezes incitando polêmica. Leonardo da Vinci e Michelangelo os estudaram e dissecaram. Rembrandt e seus compatriotas holandeses desenvolveram a tradição no século XVII.

Portanto, a imagem de dois ambiciosos jovens pintores judeus em Boston caminhando juntos para um hospital para ver cadáveres não é em si mesma notável. E, no entanto, só porque o ano era 1943 e um grande número dos companheiros judeus desses dois artistas estavam sendo varridos pela Europa e enviados para campos de concentração onde foram sistematicamente assassinados, é difícil não ser assombrado por isso.

Bloom não pretendia que suas pinturas subsequentes - as que dominam esta mostra - fossem um comentário sobre o Holocausto. Ainda assim, as revelações sobre a catástrofe na Europa certamente devem ter alimentado sua própria imaginação. E, inevitavelmente, nosso conhecimento desses eventos fazem parte do prisma através do qual nós vê-los.

A década após a guerra viu Bloom produzir seu trabalho mais forte - não apenas imagens de cadáveres e autópsias, mas também fascinantes, perto de imagens abstratas de hordas de tesouros escavados. Essas obras cintilantes, construídas com lindas passagens de tinta texturizada, retratam seus temas como se estivessem dispostos horizontalmente (como um corpo em uma laje) e vistos de cima.

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Bloom foi inspirado em parte por imagens de recentes descobertas arqueológicas. Ele deu às pinturas títulos como Tesouro arqueológico e Mapa do tesouro, convidando-nos a ver analogias entre os tesouros escavados (e o vidro opalescente que ele amava especialmente) e a luminosidade cintilante do interior do corpo.

Dez anos depois de Bloom representar os Estados Unidos na Bienal de Veneza (junto com Pollock e de Kooning), ele fez dupla com o artista britânico Francis Bacon em uma exposição na Universidade da Califórnia em Los Angeles.

Como eu adoraria ver isso reformulado. Ambos os artistas estavam preocupados com o lado abjeto do corpo humano - o corpo como carne. Mas Bacon, um existencialista completo, não tinha um osso espiritual em seu corpo. A vida, para ele, era uma forma de teatro, um jogo fadado à futilidade. Bloom, por outro lado, achava que havia algo mais. Ele era um artista visionário, apaixonado por pensamentos que se tornaram cada vez menos populares. Ele não se importava com o sucesso no mundo da arte.

Quando os curadores do museu visitaram seu estúdio, ele ficou famoso por ter virado suas telas para a parede. Há muito tempo me pergunto: Será que Bloom estava tentando esconder suas obras de olhos que considerava incapazes de entender? Ou ele reconheceu que suas coisas recentes não estavam à altura de seus trabalhos anteriores?

Talvez ele estivesse apenas sendo modesto. No final, como tantos buscadores genuínos, Bloom estava seguindo seu próprio caminho. Ele viu o que viu. Tornou-se cada vez menos importante para ele que o resto de nós também percebesse. Ele produziu coisas boas nas décadas seguintes. Mas as obras que pintou na década após a Segunda Guerra Mundial continuam sendo uma grande e indelével conquista.

Hyman Bloom: questões de vida e morte Até 23 de fevereiro no Museu de Belas Artes de Boston. mfa.org .

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